"Eddington" - Incontro stampa con il regista Ari Aster

 di Silvia Sottile

Foto di Silvia Sottile per Emozioni al Cinema

Presentato in anteprima nazionale alla Festa del Cinema di Roma, Eddington (qui la nostra recensione), il nuovo film di Ari Aster, è nelle nostre sale dal 17 ottobre, distribuito da I Wonder Pictures in collaborazione con Wise Pictures. 

Il regista e sceneggiatore Ari Aster, dopo Hereditary, Midsommar e Beau ha paura, ha realizzato con Eddington il suo film più ambizioso e sorprendentemente attuale. Un racconto sospeso fra distopia e realtà che mostra, attraverso la sua lente acuta e spiazzante, le contraddizioni più oscure e brutalmente surreali del suo paese: il rovescio della medaglia del sogno americano e un ritratto inquietante dell’America di oggi. 

Protagonisti Joaquin Phoenix, Emma Stone, Pedro Pascal, Austin Butler, con Luke Grimes e Micheal Ward: un cast stellare che regala personaggi complessi, affascinanti, magnetici, che affrontano un mondo in costante trasformazione. 

Maggio 2020. In una piccola cittadina del New Mexico, lo scontro tra lo sceriffo locale (Phoenix) e il sindaco (Pascal) innesca un’escalation di tensione, trasformando Eddington in una polveriera pronta a esplodere. Mentre la comunità si frantuma in fazioni contrapposte, diffidenza e paura prendono il sopravvento in un susseguirsi di colpi di scena.

 

Abbiamo avuto il piacere di incontrare il regista Ari Aster in conferenza stampa alla Festa del Cinema di Roma. Ecco cosa ci ha raccontato:

Ci può parlare dell’origine di questo film? Scritto in piena pandemia ma, alla luce di quanto successo dopo, viene da pensare che sia cambiato poco, anzi, sembra che le cose siano ulteriormente peggiorate nel mondo. Se lo aspettava?

“Sì, le cose sono peggiorate nel mondo. Non mi aspettavo peggiorassero così tanto. Ho iniziato a scriverlo a maggio 2020, esattamente quando è ambientato il film. Sentivo qualcosa che aleggiava nell’aria, le cose mi sembravano pronte a esplodere. Cercavo di afferrarle. Tutto cambia così rapidamente. Sebbene tecnicamente è un film d’epoca, lo vedo sempre più attuale. Da luglio 2025 negli Stati Uniti sono successe cose che ci portano a vedere il film in maniera diversa, sempre più pertinente e rilevante. La pandemia è stato un punto di inflessione, un sistema nell’ambito del quale abbiamo vissuto per tanto tempo. Vivendo sui telefonini e su internet è come se la porta ci fosse stata chiusa alle spalle e noi fossimo rimasti arenati in quella situazione dalla quale non si riesce a uscire, che ancora oggi persiste. È difficile fare un film sul COVID perché ancora non l’abbiamo metabolizzato, siamo ancora in questa situazione, stiamo ancora imparando come attraversare queste acque, anche se ci stiamo allontanando sempre di più da questa lezione. Il film cerca di fare del proprio meglio per trarre un senso da un ambiente che è diventato incoerente”.

Quando lavora a un film, pensa subito al genere o il genere esce fuori scrivendo la sceneggiatura?

“Non comincio mai col genere. Magari con Midsommar ho cominciato con il genere. Ma la tendenza è iniziare con un soggetto, un’immagine, un personaggio e poi lo seguo. Ho cercato strada facendo di determinare quale fosse il percorso più giusto per quella storia. E credo che è il modo in cui continuerò a lavorare. Se cominci col genere potrebbe funzionare ma è qualcosa di limitante”.

Quando ha pensato che il western fosse il genere adatto per questa storia? Pensa che un giorno avrà voglia di raccontare una storia sotto forma di commedia?

“Per rispondere alla seconda domanda, l’ultimo film, Beau ha paura, lo considero una commedia. È una commedia incubo ma ho fatto di tutto per far ridere durante il film. Questo film è una dark comedy. Mi auguro che sia molte altre cose, spero sia anche triste, ricco di suspense e qualsiasi altra cosa. Il western? Ci sono molte risposte al perché. Mi sembrava giusto in questo caso. Io vengo dal New Mexico, conosco il Sud Ovest molto bene, è una zona che capisco. Quel paesaggio si presta naturalmente al western. È un genere interessante perché è un po’ il genere nazionale in America. Parla del sogno americano, del mito dell’America. Fa un po’ i conti con la realtà dell’America. Siamo in un luogo e in un momento senza precedenti, ovunque, in tutto il mondo, ma io conosco l’America e quindi posso parlare di quella. La sensazione che ho è che il vecchio sistema stia crollando e siamo all’apice di un qualcosa di nuovo, ci stiamo per arrivare. Mi sembrava quindi giusto cercare di rivolgermi alle tradizioni del western. È un genere che si occupa delle basi della fondazione del paese, della questione della legge rispetto all’illegalità, questioni che hanno a che vedere con i confini, gli elementi tribali… tutto questo mi sembrava più che adeguato”.

Perché ha scelto di affrontare questi temi?

“Perché il mondo in questo momento è un brutto posto e sono preoccupato e spaventato. Perché non dovrei fare un film su questo? Credo ci sia una tendenza tra gli artisti a ritirarsi rispetto a queste cose perché al momento stare al mondo è spiacevole. Guardare al mondo e considerare il futuro è doloroso. In realtà il futuro sembra impossibile da vedersi. È per questo che ci sono molte persone che non credono nel futuro. Se non uso il materiale del mondo, questo userà me. Quindi devo trovare un modo per dargli un senso. Presumo che uno dei doveri dell’artista sia quello di riflettere e di fare da specchio dei propri tempi. Io ho cercato di farlo in qualche maniera, di riflettere il mondo così com’è, nella maniera più onesta possibile”.

Foto di Silvia Sottile per Emozioni al Cinema

Viviamo in un’epoca in cui è molto difficile stabilire la verità e distinguere cosa è reale da cosa non lo è. Questa cosa la spaventa?

“Sì, sono molto spaventato. Credo che sia una catastrofe. Perché se siamo scontenti della situazione, se percepiamo di essere sul percorso sbagliato – e lo percepiscono in molti ma senza riuscire a mettersi d’accordo su quale sia il percorso giusto da seguire – che speranza c’è che ci possa essere un’azione collettiva significativa? La situazione in cui ci troviamo ora è una ricetta che porta a costanti scontri interni, lanciandosi alla gola del vicino mentre invece qualcos’altro sta succedendo a livelli molto più alti da cui invece veniamo distratti. Molte persone nella mia vita hanno idee politiche diverse dalla mia e sono convinte che le cose si stiano verificando nel mondo in un certo modo mentre io non sono d’accordo e viceversa, loro non sono d’accordo su cosa io penso stia succedendo nel mondo. Non c’è modo di uscirne, non c’è un venirsi incontro. Credo che questo sia qualcosa che veramente fa male e spezza il cuore. Questa alienazione imposta che tutti percepiamo credo sia il risultato della rivoluzione tecnologica, in cui le persone speravano molto quando è partita. È difficile dire quando sia veramente iniziata. La stampa, la radio, la televisione, internet, i telefonini… io parlo di qualcosa che credo sia iniziato con internet. Le persone erano estremamente entusiaste, c’erano questi ideali utopici che venivano alimentati. Ma rapidamente quelle speranza sono state deluse perché alla fine tutto è stato infettato da interessi finanziari e cose simili. Credo che la rivoluzione tecnologica sia una cosa largamente disumanizzante”.

I fatti accaduti recentemente in America, ovvero l’omicidio di Charlie Kirk, hanno rappresentato un ulteriore passaggio di questa trasformazione del paese a cui stiamo assistendo?

“Sì. Credo che le cose si siano significativamente esacerbate con quei fatti. Quell’evento in particolare getta una luce diversa su Eddington. Il film è in dialogo con quanto accaduto, in un modo che io non potevo certo prevedere”.

Oltre ad assistere ai fatti che accadono in questa cittadina, il viaggio del pubblico è anche un viaggio nella mente del protagonista. Lo vediamo muoversi nella città ma assistiamo anche al suo delirio mentale. È una costante dei suoi personaggi questa doppia esplorazione? Li vediamo agire e pensare.

“Sì, sono interessato alla vita interiore delle persone nei miei film. E questo è un caso interessante perché è un film corale, i personaggi sono numerosi e soprattutto legati alla soggettività di un personaggio (Joe Cross, interpretato da Joaquin Phoenix). In Beau ha paura quel percorso definisce il film. In questo film volevo capire Joe e in questo senso credo che il film sia un po’ insidioso perché si allinea con lui e poi man mano che il film va avanti si capisce in che posizione ci si trova rispetto alle sue credenze e alla sua ideologia. Cosa che dovrebbe diventare ancora più confusa man mano che il film procede. Con questo film gioco con la sua esperienza e con qualcosa che è ancora un po’ più oggettivo. È difficile parlarne con esattezza, è questione di calibrare”.

Cosa significa lavorare su personaggi così complessi con un attore come Joaquin Phoenix con cui appunto aveva già lavorato in Beau ha paura? Sappiamo che è un attore molto esigente ma capace di dare a un personaggio qualcosa che altri non sono in grado di dare. Come avete costruito questo personaggio?

“Joaquin è un attore molto specifico. È un grande attore. Prima di lavorare con lui la prima volta, la mia sensazione era che lui fosse uno dei migliori attori al mondo. Dopo averci lavorato avevo la sensazione che fosse persino migliore rispetto a quello che io avevo immaginato prima. È una persona che mette in dubbio qualsiasi cosa in scena. Mentre procedi, lui ha domande da fare. All’inizio cercavo di trovare risposte alle sue domande ma poi ho capito che non stavamo cercando una risposta. Stava cercando di trovare la domanda giusta per mantenere vivo il lavoro. Era questo quello che lui faceva. Si tratta di esaminare tutte le domande e individuare quella che ti anima di più e che ti dà maggiore spinta. Ogni attore è diverso. A Joaquin piace parlare molto delle cose, è un attore molto tecnico che mi ha sorpreso perché il lavoro che fa ti dà la sensazione che sia molto spontaneo, quasi grezzo. Invece non è così. È molto cosciente e consapevole di quello che fa, come se fosse un artigiano. Può ripetere una cosa fintanto che non suona onesta. Quando comincia a percepire che sta recitando, si ferma. Devi in un certo senso tornare al laboratorio e trovare un nuovo modo per entrare nella scena. Questo lo trovo un modo molto interessante e divertente di lavorare. Joaquin lavora in maniera molto diversa ad esempio rispetto a Pedro Pascal, lavora in maniera diversa da come lavora Emma Stone. Austin Butler forse lavora in maniera abbastanza simile a Joaquin. Ma ogni attore è diverso e questo è parte del divertimento nel lavorare con gli attori. Con ogni persona nuova trovi una nuova lingua”.